Plus de 300 personnes ont assisté au vernissage privé de l’exposition Rêves de Venise, la veille de l’ouverture au public le samedi 23 mars. Après le passage de JR, venu pour son intervention sur la façade du château, des artistes de grande renommée ont participé à l’installation in situ de leur œuvre : Claude Lévêque pour son lustre de Venise, mais également, Giovanni Ozzola, nouvel artiste en résidence, Jean-François Rauzier qui a conçu deux œuvres en papier peint pour les plafonds du château (dont une au dessus du magistral « Jésus » de Murakami), Jean Sabrier pour « son » Canaletto, Laurent Valéra pour l’élévation de la gondole que Bernard Magrez lui a confiée, Claire Adelfang qui a réalisé trois œuvres spécialement pour l’exposition de même que Guy Limone et Sébastien Vonier. Les Directeurs de nombreuses galeries françaises et internationales étaient également au rendez-vous dont Emmanuel Perrotin, la galerie Gagosian, la galerie Ropac et les galeries Mélanie Rio et Samy Abraham. Le célèbre collectionneur, François Odermatt avait fait le voyage spécialement de Montréal.

« L’exposition Rêves de Venise s’ouvre par un dialogue de matières, de pigments et de lumière entre les œuvres d’Anish Kapoor et de Jean-Michel Othoniel. Elle propose un voyage artistique inédit à travers les rêves et les visions d‘artistes de siècles et de cultures diverses. » De Canaletto à Cattelan, en passant par Giacometti et Yves Klein, nous présentons des artistes d’hier et d’aujourd’hui, à la fois classiques, modernes et contemporains. C’est une exposition intemporelle, tout comme l’est Venise. » (Ashok Adicéam)

Retrouvez toutes les photos sur notre page Facebook.

Sous la présidence de Bernard Magrez, et aux côtés d’Olivier Faron directeur général de l’École Normale Supérieure de Lyon, les membres du jury composé de Bruce Bégout philosophe et enseignant à l’Université Bordeaux III, Michel Bettane critique viticole, Anne Consigny comédienne, Yves Harté rédacteur en chef du journal Sud Ouest, Jacques Weber acteur, réalisateur et scénariste, François-René Martin professeur à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris et à l’École du Louvre et Ashok Adicéam, directeur de l’Institut Culturel Bernard Magrez se sont réunis le 14 mars 2013 au Grand Véfour à Paris, en présence et sous le regard bienveillant du Professeur Michel Maffesoli, de l’Institut Universitaire de France, pour annoncer les lauréats.

- Le premier prix a été attribué à l’unanimité à Héloise Thomas pour Parce que – Portraits composites.

- Le second prix a été attribué à Julien Lapeyre de Cabanes pour La Vieille Leila.

- Le troisième prix a été attribué à Quentin Rioual pour Bal.

Le premier prix recevra une bourse de 5000 euros ainsi qu’une aide à la publication, le second un prix de 2000 euros, et le 3ème un prix de 1500 euros. Une cérémonie de remise des prix aux trois lauréats de l’Ecole Normale Supérieure de Lyon aura lieu à l’automne 2013 à l’École Nationale des Beaux-Arts de Paris.
Le Prix Château La Tour Carnet est une initiative du mécène Bernard Magrez. Sa fondation, l’Institut Culturel, basée à Bordeaux, a pour mission de soutenir efficacement les jeunes créateurs dans les domaines des arts, de la musique et de la littérature. Olivier Faron s’est félicité que l’École Normale Supérieure à Lyon ait pu s’associer à l’organisation de ce concours, qui vise à encourager et à promouvoir la création et la production d’oeuvres inédites, en langue française.

Le concours était exclusivement destiné aux élèves et étudiants de l’ENS Lyon, toutes filières confondues, de la licence au doctorat. Après l’appel à participation en avril 2012, 34 manuscrits ont été remis, soit une production littéraire de 900 feuillets avec pour thème l’Amitié, en hommage à Michel de Montaigne qui séjourna avec son ami Etienne de La Boétie au château La Tour Carnet au XVIème siècle.

Tous les membres du jury se sont félicités du nombre de réponses différentes, de la diversité d’écriture et de sujets des 34 candidats. Ils ont toutefois tenu à récompenser avant tout dans ce véritable concours d’écriture, la qualité rédactionnelle, son innovation et la clarté du style. La pertinence avec le sujet proposé et la sincérité de la création en fonction du thème précis ont aussi été saluées dans les compositions des lauréats. L’audace des écritures primées témoigne d’une réelle envie d’écrire et sans doute à devenir « auteur ». Pour autant, la part du mystère autour de la notion d’Amitié chère à Montaigne (Parce que c’était lui, parce que c’était moi) est restée fort heureusement de mise, les textes explorant tous, ce que Montesquieu appelait « la connaissance du coeur ».

« J’attends celui qui pourra m’aider à réaliser mes rêves », c’est sur cette citation de Charles Fourrier soulignée par le Professeur
Maffesoli, que le jury s’est quitté au Grand Véfour à Paris après des délibérations intenses et chaleureusement argumentées.

L’acquisition par M. Magrez de deux œuvres de Jean-François Rauzier, donne lieu à un nouvel accrochage des collections de l’Institut Culturel Bernard Magrez, au sein du château Labottière.

Jean-François Rauzier débute sa carrière de photographe en tant que reporter, à une époque où la photographie est encore considérée comme un art mineur, et n’est pas encore enseignée à l’Ecole des Beaux-Arts. Les laboratoires photographiques n’existent pas, chacun développe ses photographies chez soi avec son propre matériel. L’arrivée de la photographie numérique bouleverse la pratique de Jean-François Rauzier. Il est alors photographe publicitaire. La manipulation et la transformation des images, lui permet dès lors de retrouver cet aspect magique qui l’avait séduit à l’âge de douze ans, lors de son initiation à la photographie argentique par son oncle : cette découverte « magique » de l’image apparaissant sur le papier photo au contact de la solution révélatrice dans les bacs de traitement, l’avait profondément marqué.

En 2002, Jean-François Rauzier invente l’Hyperphoto, concept photographique qui lui permet de conjuguer « l’infiniment grand et l’infiniment petit » dans une même image, au détriment de la photographie traditionnelle, jugée non réaliste car issu d’une prise de vue d’un seul angle et d’un seul cadrage. Pour réaliser une hyperphoto, 600 à 4500 images sont nécessaires; des images dupliquées, superposées à l’horizontale et à la verticale. Dès lors, une multitude de détails passionnants et insolites apparaissent, provoquant une illusion d’optique, une perte de repères chez le spectateur, invité à se demander où se trouve la vérité dans cette représentation. La réalité est remise en cause, tel un tour de magie, comme lors du développement d’une photographie… Longtemps, transformer une photographie sous Photoshop était perçu comme un sacrilège, aujourd’hui toutes les photos sont retouchées, bien que cela reste relativement tabou pour le grand public.

Les thèmes abordés dans les hyperphotos de Jean-François Rauzier traduisent une invitation au voyage intérieur ; des univers inspirés des contes et légendes, du fantastique, du Moyen-âge et de l’enfance ; des mondes oniriques en référence au panthéon culturel de l’artiste. Dans Origines la forêt des Landes se retrouve associée aux bâtiments les plus emblématiques de l’histoire de l’humanité : des buildings de Manhattan ou Dubaï aux pyramides d’Egypte, en passant par la hutte africaine et la cabane perchée d’Amazonie. Dans la même veine, la série Babel est une réflexion sur la ville et la cité, sur les utopies ; la cité idéale de Piero de la Francesca y côtoie tours et barres des citées de Sarcelles.

Hyperphotos et Patrimoine

Les hyperphotos des Bibliothèques idéales dévoilent à la fois des lieux chargés d’histoire rassemblés sur la même image, telles la Bibliothèque du Vatican ou la Bibliothèque du Sénat à Paris et de Versailles, les portraits de grands écrivains – Georges Perec, Rimbaud…, et les manuscrits historiques de Vauban, Victor Hugo ou du sacre de Louis XV.

Le Palais de la musique, ou Palau de la Musica, est l’une des dernières acquisitions de Bernard Magrez. Inspiré d’un édifice de l’architecte moderniste catalan Lluis Domènech i Montaner, l’architecture remarquable de ce palais, dont Jean-François Rauzier demeure très admiratif, est démultipliée, représentée sous toutes ses facettes. De Bach à Lady Gaga, plus de cent trente musiciens se trouvent rassemblés dans ce Palais de la musique idéal orchestré par Jean-François Rauzier, En guise de clin d’œil au mécène Bernard Magrez, l’artiste fait apparaître le Stradivarius Château Fombrauge, ainsi qu’un flacon du fameux grand cru classé de Saint-Emilion dans la poche du compositeur Franz Liszt.

Le Vedute qui sera présenté au public dans l’exposition Rêves de Venise à partir du 23 mars prochain, véritable vision onirique de Venise constitue un catalogue de tous les palais et canaux afférents du Grand Canal.

En 2011, Jean-Jacques Aillagon, alors directeur du château, du musée et du domaine de Versailles repère son travail. Dès lors, la Ville de Versailles passe commande à Jean-François Rauzier d’une série de photographie sur le patrimoine de Versailles. L’artiste a alors accès à de nombreux lieux exceptionnels, tel l’escalier de l’Hôtel de ville, la chapelle d’Auch… En 2012, une exposition photographique HyperVersailles présente au musée Lambinet une trentaine d’hyperphotos sur Versailles, fruits de cette commande.
C’est parfois non sans difficulté que Jean-François Rauzier applique son concept d’hyperphoto aux lieux très touristiques. Bien souvent, les places et monuments célèbres sont difficiles à photographier, car sans cesse envahis de touristes. Aussi dans toute une série de photographies ayant pour sujet des grands lieux touristiques, les hommes sont remplacés par des animaux : dans Transhumance des troupeaux de brebis occupent le Champs de Mars au pied de la Tour Eiffel, pour Jeux du Cirque des milliers de fauves cernent le Colisée à Rome, dans Flamingo Road le parvis de la Cathédrale de Nôtre-Dame à Paris est envahi de flamands roses, tandis que sur la Dolce Vita, une colonie de manchots s’apprête à prendre un bain dans la Fontaine de Trevi.

Cap sur l’Humain

Longtemps, Jean-François Rauzier aura mis à l’écart l’homme dans ses photos, le modèle vivant n’étant pas facile à capter du fait de ses mouvements et des coupures opérées par l’artiste sur ses différents clichés. C’est lors d’un voyage du Laos au Cambodge, témoin de grandes exodes des populations locales, que le photographe décide de mettre le « cap sur l’humain » à travers la série Exodes.

Les Bâtisseurs, insiste sur la folie des constructions pharaoniques, érigées par les architectes et les entreprises, seuls capables de tels exploits. Jean-François Rauzier place au premier plan des ouvriers d’ Abu Dhabi, ces milliers de bâtisseurs, héros des temps modernes, qui pour répondre à l’explosion immobilière s’usent jour et nuit aux Emirats Arabes, travaillant parfois dans des conditions insupportables.

Arches Le Projet Arches est celui d’une histoire néo-futuriste, une narration avec comme fil conducteur des extraits de la Genèse. Inspirées cités flottantes aéroportées imaginées au XIX e siècle, à l’époque des ballons dirigeables pour fuir la Terre, ces structures virtuelles invitent le spectateur à faire un voyage initiatique dans un monde inventé, mystérieux et fascinant. Tel un cinéaste Jean-François Rauzier imagine un film relatant cette épopée « archéo-moderniste». Chacun est invité à prendre place dans une arche, via le site internet, en y publiant une photo et un texte mentionnant le rôle que l’on souhaite occuper dans l’arche. Ainsi, Ai Weiwei embarque à bord de l’un des vaisseaux, Espoir 15, en tant que ministre de la culture. Elisabeth Couturier, Ashok Adicéam, et Sylvie Mallet, maire de Dinard ont également rejoint le projet Arches en créant leurs personnages fictifs. La ville de Dinard propose du 26 janvier au 1er avril 2013, une exposition « Arches » sur ce travail du photographe Jean-François Rauzier.

La rencontre « Le Dernier des Esclaves » se conclut sur la citation d’un extrait du Contrat Social de Rousseau « L’homme est nait libre, mais partout il est dans les fers ». Une réflexion sur le rapport au temps, où comment l’homme peut devenir esclave de lui-même.

Article Bordeaux Gazette
http://www.bordeaux-gazette.com/Les-Hyperphotos-de-Jean-Francois.html

« Merci pour cette belle et originale exposition dans un lieu si propice à l’accrochage d’œuvres variées »

« Quelle belle initiative de la part de Monsieur Magrez »

«  Exposition de grande qualité, commentaires riches et un accueil de qualité»

«  Magnifique musée, digne d’une grande ville qui fait honneur à Bordeaux »

«  Chaque exposition révèle de nouvelles surprises exceptionnelles. Un tel mécénat fait chaud au cœur pour la pérennisation de l’art »

«  Magnifique exposition, un peu de beauté dans un monde si sombre »

«  Un travail scénographique simple et ouvert. Très belle exposition. Merci pour ce lieu »

«  Superbe lieu pour découvrir des artistes, notamment vos artistes en résidence »

«  Ma première exposition, quel bonheur pour les yeux »

« Merci pour ce lieu de médiation, de partage d’une somptueuse collection, dans un écrin qui sublime les œuvres exposées »

«  Bravo pour l’exposition et félicitation pour cet endroit magnifique si bien restauré. Merci de le partager avec nous »

Théoricien de l’esthétique relationnelle à la fin des années 90, fondateur du Palais de Tokyo avec Jérôme Sans de 2000 à 2006, directeur artistique de la Tate Triennial en 2009 et directeur de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris depuis début 2012, Nicolas Bourriaud a rassemblé sa pensée critique dans plusieurs ouvrages qui ont beaucoup influencé le monde de l’art.

Son exposition Traffic, au CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux en 1996, lui a permis de concrétiser une théorie qu’il a ensuite publiée sous le titre d’Esthétique Relationnelle en 1998. Cet essai, controversé et discuté dans le milieu d’artistique, part d’une interrogation sur la manière dont les artistes travaillent ensemble, tout en s’échappant des catégories traditionnelles de l’art. À travers des œuvres qui inventent des lieux de socialité, leur point de départ est la sphère des relations humaines. La mise en lumière de ce nouveau courant à travers cet ouvrage, dont font partie les artistes Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghes, Philippe Parreno ou encore Rirkrit Tiravanija, a fait date. Diffusé grâce aux artistes et les écoles d’art, le livre a été traduit en 18 langues et fait figure de référence à travers le monde.

Le livre Postproduction (2002) réunit les mêmes artistes mais qui sont abordés de manière différente et avec un regard quasi anthropologique. Dorénavant, les créateurs travaillent en recyclant, en faisant usage d’éléments existants. À la manière d’une musique électronique, qui fait appel à une logique de programmation, l’art s’opère grâce à une chainage d’objets. C’est en cela que Nicolas Bourriaud rejette l’idée d’origine. Pour  lui, il y a toujours eu quelque chose avant et il y aura toujours quelque chose après. Comme le disait Marcel Duchamp, l’art est ainsi un dialogue avec toutes les œuvres de toutes les époques.

La création du Palais de Tokyo en 2000 bouleverse profondément le monde culturel et change la donne de la scène culturelle parisienne. En ancrant la culture dans un territoire, en ouvrant le lieu à des publics différents grâce à des horaires élargis, Nicolas Bourriaud et Jérôme Sans réussissent le défi de créer un lieu en constante mutation, avec très peu de moyens. En compagnie des architectes Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal, il s’agit de créer un lieu qui évoluait en lien avec les artistes et les expositions. En inventant ainsi de nouvelles pratiques culturelles, le Palais de Tokyo renforce la scène culturelle parisienne et favorise son internationalisation.

À travers son expérience en tant que commissaire de la Nuit Blanche en 2006, mais également à la Tate entre 2009 et 20012 où il est notamment directeur artistique de la Tate Triennial, Nicolas Bourriaud entame une réflexion sur la notion de globalisation en art. Cette interrogation lui amène à théoriser une nouvelle esthétique de la globalisation, à travers son ouvrage Radicant (2009). En partant de l’idée de la table rase et du fait que l’artiste est constamment amené à se renouveler, Nicolas Bourriaud met en parallèle la notion de radicant, et l’idée même de prendre racine tout en avançant dans le monde, avec l’aventure de l’art du vingt-et-unième siècle.

Dans le cadre de l’exposition La Belle & la Bête et de sa résidence à l’Institut Culturel, Guy Limone a investi le Pavillon d’accueil du Château. Il recouvre entièrement l’espace intérieur de son œuvre Tapisserie Verte, présentée à plusieurs reprises et « réactualisée » pour l’occasion. Parallèlement à ce travail, l’artiste expose actuellement et jusqu’au 22 décembre 2012 à la Galerie Perrotin, à l’occasion de sa 9^ème exposition personnelle en 20 ans de collaboration : « Espace Public ».

Les œuvres de Guy Limone traduisent avec humour une tentative d’inventaire des choses qui nous entourent, un désir d’englober le monde, de l’épuiser à la manière de Perec dans « La Vie mode d’emploi ».

Guy Limone détourne de façon ludique les statistiques les plus diverses et absurdes par l’accumulation de figurines peintes à la main censées personnifier la popula­tion étudiée. Ainsi, le contraste entre le supposé sérieux des données analysées et l’accumulation de personnages miniatures sur un fil tendu par exemple, dévoile une humanité désincarnée et anonyme – « En 2010, un être humain sur cinq n’a pas accès à l’eau potable » (2010) ; « En 2006 la Chine produisait 38% de la produc­tion mondiale de charbon » (2008) ; « En 2010, les moins de 15 ans représentent 30% de la population mondiale » (2010) etc.

Dans les Peintures d’images réalisées en 2012, l’artiste assemble des détails d’images de 5,7 x 5,7 cm en de grandes compositions, sortes de mosaïques con­temporaines où les reproductions de chefs d’œuvre de l’histoire de l’art côtoient des extraits de publicités ou des scènes anodines. Ces échantillons, prélevés dans des revues forment une cartographie de la représentation par analogie de couleurs.

Une monographie intitulée « Parmi » aux éditions de la Galerie Perrotin sera publiée à l’occasion de l’exposition.

Photos : courtesy Galerie Perrotin – Hong Kong, Paris

Embrasure est une monographie sur la sensibilité et l’émotion. Il ne s’agit pas d’un ouvrage critique mais d’un livre qui approche Yves Klein par la poésie d’Arthur Rimbaud permettant au public d’entrer dans la dimension onirique et sensible de l’œuvre de l’artiste.

L’ouvrage a également pour portée de faire découvrir des domaines non familiers d’Yves Klein. Yves Klein personnage perfectionniste, méticuleux et miraculeux, moitié chaman/ moitié showman, grand sportif et judoka d’expérience. L’étude du corps et du mouvement, approfondie au Japon, prend d’ailleurs  forme artistique dans les Anthropométries, véritable rituel dans lequel le modèle, trempé dans des gallons de pigment bleu, imprime son corps sur une toile appuyée au mur ou, comme sur un tatami, à même le sol.  Yves Klein auteur de symphonies. Symphonie Monotone Silence, composition musicale à un seul ton, suivie d’un long silence, est l’équivalent sonore du monochrome en peinture. D’une durée de quarante minutes, la symphonie est constituée d’un seul et unique « son » continu, étiré, qui crée une sensation de vertige, d’aspiration de la sensibilité hors du temps. Cette symphonie n’existe donc pas tout en étant là. C’est du silence – une présence audible.

Peinture de Feu
Frédéric Prot revient sur les Peintures de feu, métaphore du feu doux et cruel, du feu originel.
Les Anthropométries et les Peintures de feu sont des empreintes de corps réalisées au moyen de pinceaux vivants lors de performances publiques avec des modèles dont les corps enduits de peinture (Anthropométries) ou humidifiés (Peintures de feu) viennent s’appliquer sur le support. Feu coloré n° 1 FC1, qui a atteint un prix de vente record au printemps dernier, rassemble ces deux formes d’expression, le feu et la peinture rose et bleu y imprègnent le support comme le positif et négatif d’une plaque photographique.
L’action de la femme sous le pigment, se vitrifie sous la trace du feu donnant l’impression de chair brulée. Yves Klein considérait la chair comme un 5ème élément, les Peintures de feu lui permirent d’obtenir des traces de l’immédiateté, d’enregistrer la chair du feu et l’empreinte de la chair de ces modèles. Les peintures de feu utilisent le feu comme élément plastique, Yves Klein manipulant un lance-flammes très lourd, assisté d’un pompier aspergeant d’eau les supports brulés. Parmi les nombreuses Peintures de feu, certaines présentent des traces de ruissellement et témoignent de ces deux éléments antagoniques, l’eau et le feu, ou d’une impression du feu qui couve encore…

L’Immatériel
L’œuvre d’Yves Klein est souvent réduite aux monochromes et Anthropométries, pourtant l’artiste a élaboré pas moins de 10 formes différentes d’expression.
L’immatériel est au centre de l’œuvre artistique d’Yves Klein : comment donner corps à quelque chose qui serait de l’ordre du métaphysique, de l’absolu ? Lors de l’exposition du Vide à la galerie Iris Clert en avril 1958, Yves Klein associe le monochrome au vide, choisissant de prendre un espace pour se l’approprier, il créé ainsi une œuvre d’art immatérielle.
En novembre 1960, Yves Klein réalise Le Saut dans le vide, 3, rue Gentil-Bernard à Fontenay-aux-Roses, qui est photographié par Harry Shunk et John Kender. Cette célèbre photographie du peintre se jetant dans le vide est publié dans un faux Journal du Dimanche avec pour titre  « un homme dans l’espace », distribué à l’époque dans quelques kiosques parisiens.

Yves Klein ne s’est jamais posée de limites. Il s’est approprié Paris, jetant de l’or dans la Seine, proposa son pigment bleu l’International Klein Blue (IKB) à l’Unesco afin de créer une mer bleue à l’image de la mer Rouge, et au président américain Eisenhower en vue de colorer la bombe atomique en bleu.  L’artiste passait  souvent du « coq à l’âne » mais a toujours fait preuve d’une rigueur et d’un perfectionnisme poussé.

Daniel Moquay revient sur la réception de l’œuvre d’Yves Klein en France et à l’étranger.
Bien que considéré comme le peintre le plus important de la seconde moitié du XXe siècle, Yves Klein n’a jamais été bien traité en France. Il n’était déjà pas facile d’être monochrome en 1950, l’ouverture de l’exposition Le Vide à la galerie Iris Clert en avril 1958 fit scandale et les pinceaux vivants réalisés par le biais de mannequins nues recouvertes de peinture bleue, très critiquées. Même les féministes américaines regrettèrent l’absence d’hommes parmi ces pinceaux vivant, ce qui était inexacte, huit hommes s’essayèrent à cette pratique.
De nos jours, en dépit de la rétrospective à Beaubourg de l’œuvre d’Yves Klein en 2006, le Centre Pompidou ne possède toujours pas de salle consacrée à Yves Klein ; seules deux œuvres – un monochrome et un portrait d’Arman – sont présentées au public dans les espaces d’exposition permanents.  En Allemagne en revanche, Yves Klein a toujours bénéficié d’un soutien privilégié. En 1961, avec l’exposition Yves Klein : Monochrome und Feuer, au Museum Haus Lange de Krefeld en Allemagne, Yves Klein réalise là sa plus importante rétrospective.

La rencontre se conclut par la lecture par Ashok Adicéam du texte de Patti Smith. L’icône punk rock, grande admiratrice de l’œuvre d’Yves Klein, a été sollicitée pour écrire ce texte d’émotion, post face d’Embrasure.

Le 7 décembre 2012, le Château Labottière a accueilli une rencontre à deux voix entre l’artiste bordelaise Judith Avenel et le critique d’art et commissaire d’exposition Christian Noorbergen.

Dans son introduction, Christian Noorbergen a présenté au public l’œuvre de Judith Avenel L’ombre des absents comme une « fenêtre », une ouverture sur le monde. Dans le pavillon consacré à l’artiste au sein de l’exposition La Belle & la Bête, une fenêtre ouvre sur les jardins classés à la française, on peut alors apercevoir au loin, se dressant avec arrogance devant la façade du château, les deux silhouettes fantomatiques de L’Orage et L’Ouragane réalisées en 1947 par Germaine Richier. Le questionnement sur la mort et l’absence évoqué par Germaine Richier au lendemain de la seconde guerre mondiale est ici ranimé par l’installation in situ de Judith Avenel et le dialogue entre ces deux œuvres.

Christian Noorbergen souligne le rapport étroit qu’entretiennent les artistes avec la mort. À l’instar de Judith Avenel et Germaine Richier, les artistes aux travers de leurs créations acceptent la proximité avec la mort, et permettent grâce à leurs actions artistiques d’exorciser le malaise que notre société entretient avec cette dernière.

Cette relation étroite avec le thème de la mort a souvent été abordée par l’artiste autrichien Alfred Kubin, auquel Christian Noorbergen a consacré une exposition l’année dernière au centre d’art de l’Abbaye d’Auberive. Le public de Labottière a alors eu l’occasion de (re)découvrir le travail de cet artiste qui évolua dans l’ombre des grands maitres autrichiens  du début du XXème siècle.

Ses œuvres de petit format, nouent une relation intime avec le spectateur et permettent au peintre de révéler son univers chimérique et hybride. Au travers d’une organisation mentale irrationnelle et un choix chromatique épuré, les dessins d’Alfred Kubin nous évoquent l’angoisse, sans jamais l’illustrer littéralement.

Judith Avenel, par Rafaël Lucas

À travers l’art et le corps comme médiation, Judith Avenel poursuit le cheminement d’une réflexion existentielle et esthétique. Le corps est partout, dans une omniprésence qui est aussi une « réelle présence », au sens où l’entendait George Steiner, dans le livre du même nom. Dans les souvenirs de Judith, une scène de dissection de cadavre place le corps au point de départ d’une interrogation sur les rapports entre vie et survie confrontées au « défi de la disparition des choses ». C’est bien le corps qui constitue « le socle du questionnement ». D’où la question : « Comment vivre la disparition et la perte » ?

En composant L’homme de boue (un homme d’argile et de paille), Judith Avenel touche et travaille un signifiant chargé de contenu mythique : l’homme à « l’argile prométhéenne » rappelle aussi l’homme de la Genèse animé par le souffle divin. L’argile, symbole de l’humaine condition est « soumise à l’érosion naturelle du temps». Cette prise de conscience de la dégradation programmée de notre argile vitale débouche sur l’idée « avenellienne » de « l’entropie », déperdition et désordre dynamique, mais déperdition tout de même, suivie de dispersion et de désintégration. La structure de paille et d’argile de L’homme de boue, attaquée par l’eau de pluie, met à nu l’armature, comme une carcasse dérisoire.

La quête sur l’aspect transitoire de l’existence, Judith Avenel l’a poursuivie également en Afrique de l’Ouest, lors d’un séjour au Burkina Faso, en plein plateau mossi à Koudougou. Il en a résulté Funérailles, où elle a mis en scène l’enterrement d’une carotte, d’une tomate et de son propre visage. L’artiste procède aussi par moulage, ce qui permet à la matière de garder la mémoire du corps. Dans le moulage d’un corps d’enfant atteint du kwashiorkor, l’ombre de la souffrance et de la carence  du corps  est captées par l’artiste. L’ombre des absents se dessine dans l’herbe. La verdure tranquille et implacable de l’herbe entoure l’image du corps recroquevillée, annonçant la victoire inéluctable du végétal. La dimension entropique, celle du désordre est également celle du scandale de la dégradation de l’énergie vitale.

Dans un autre tableau, la fenêtre d’une salle aux murs blancs donne sur un parc mélancolique. Cette fenêtre matérialise-t-elle « la peur d’une séparation définitive » ? Face à l’angoisse de « l’insoutenable vulnérabilité de l’être » et de l’horizontalité définitive du « ici gît », il faut rester debout (bien qu’on soit de boue), ou du moins « chercher à ne pas tomber ». Judith Avenel évoque le roi Bérenger, dans Le Roi se meurt de Ionesco, personnage émouvant et tragicomique confronté à l’épreuve de la mort.

Pourtant dans l’œuvre de Judith, malgré le contenu « grave et constant » qui pour George Steiner caractérise l’œuvre d’art, l’amour de la vie est présent ; il s’échappe par tous les pores de son œuvre, notamment par l’attention accordée aux ventres féminins et aux courbes et aux volumes. Une présence réelle et diffuse.

Photos de l’œuvre de Judith Avenel : Bernard Fontanel

Dans la Galerie du Pavillon, Tania Mouraud a présenté une vidéo de son projet Sightseeing, mené en 2002. C’est pour l’artiste une de ses premières expérimentions de la vidéo et ce qu’elle considère comme son premier travail marquant dans cette discipline.

Un paysage de campagne enneigé défile sous les yeux du spectateur. Le son d’une clarinette vient bouleverser la sérénité de ce paysage immobilisé par la glace, s’imposant de plus en plus par des notes aigües et perçantes. Tania Mouraud filme ici son trajet jusqu’à l’ancien camp de concentration français de Struthof. Née dans les années 1940, Tania Mouraud reste profondément marquée par la guerre et son action artistique, qui lui permet d’exhiber son angoisse et de la partager avec le public qu’elle confronte à sa propre histoire.

Ashok Adicéam, directeur de l’Institut Culturel Bernard Magrez et modérateur de la rencontre, questionne l’artiste sur le rapport qu’elle entretient avec les images et le choix de la vidéo comme médium privilégié. Pour Tania Mouraud, son travail vidéo est une confidence qu’elle fait au public. La vidéo devient alors pour l’artiste une ressource lui permettant de travailler au plus près de ses angoisses, tout en laissant de la place au spectateur pour s’approprier l’image et développer un ressenti qui lui est propre. Rejetant toute intellectualisation à outrance de son travail, Tania Mouraud livre ainsi avec une sincérité bouleversante une part de sa sensibilité et de ses angoisses au spectateur.

Pour sa vidéo Ad infintum réalisée en 2008, Tania Mouraud s’est aventurée au large des côtes mexicaines pour filmer des baleines. Les majestueux cétacés, sublimés par le travail de l’image en noir et blanc, représentent pour l’artiste la continuité de notre monde. En effet, la présence de ces mammifères ancestraux au sein de notre société industrielle apporte une dimension réconfortante et une preuve que la cohabitions entre l’homme et une espèce d’un autre temps est encore possible.

Grace au travail sonore mené par l’artiste, sur la respiration des baleines et les bruits de rouages mécaniques du moteur de la barque, Tania Mouraud nous confronte parallèlement à l’anxiété propre à notre civilisation contemporaine et plonge le spectateur dans un état méditatif.

Tania Mouraud, en artiste autodidacte, mène quand elle le peut, ses projets elle-même, elle filme, monte et travaille le son. Depuis quelques mois, elle a entrepris une collaboration de deux ans avec l’IRCAM, qui lui permet de poursuivre ses recherches autour du travail de l’image et du son.

C’est aussi à cette occasion que le collectif Décalage vers le Bleu, actuellement en résidence à l’Institut Culturel Bernard Magrez, a proposé une performance graphique et critique.  En partant d’un propos émis par un des intervenants pendant la conférence, Décalage vers le bleu a imaginé un rendu graphique et décalé, avec une mise en situation temporelle de ces paroles. Téléchargez ici le résultat de la performance.

Vivre debout
Ce qui est réuni aujourd’hui dans l’exposition ce sont les « Regards croisés sur la Beauté » ; c’est bien la beauté morale, spirituelle, intellectuelle qui nous interroge avant la beauté physique bien qu’elle y tienne aussi sa place. La course sans cesse pour chacun d’entre nous doit s’inscrire dans les quatre vertus cardinales : justice, tempérance, prudence, force. « Vivre debout », c’est pour ce qui me concerne, tenter de les respecter le plus souvent possible malgré les grandes dérives possible de la vie. Mais ce n’est pas aisé.

Respecter l’autre
J’ai eu la chance de connaitre Bernard Buffet dans ses dernières années. Comme beaucoup de gens il comprenait l’autre, les autres et en cela il savait respecter l’autre c’est-à-dire ne pas lui infliger ses propres préjugés bien que cela soit tentant. Ne pas gêner l’autre par ses passions négatives, mais au contraire savoir lui dire au moment où il faut, avec la possibilité qu’il attend sans même le savoir, le mot ou les mots pleins de chaleur qui vont permettre à l’autre de se redresser. C’est cela créer de l’harmonie dans le sens profond du terme.

Jamais renoncer
C’est l’oeuvre de la force bien dirigée que l’on a en soi, mais qu’il faut sans cesse cultiver ; souvent dans l’émerveillement, qui est un des secrets d’une belle vie. Jamais renoncer face à des obstacles, en souriant d’eux et en se disant avec conviction « à nous deux la vie ». Savoir remettre en place son horizon, ses horizons, chacun a un secret pour cela, et penser sans cesse à se redresser malgré le malheur ou le démon qui habite en chacun d’entre nous.

Gagner en tempérance.
Voilà un beau combat vers la vraie vie. Tolérer vis-à-vis de l’autre, c’est à mon avis moins difficile que de s’auto-tempérer. Cette situation demande de nombreuses introspections longues, douloureuses, et souvent délicates car l’auto-jugement est une gymnastique d’une extrême difficulté. C’est le chemin de la sagesse au bout duquel, chacun le sait, il est impossible d’arriver. Mais ceux qui se mettent dans ce chemin, méritent déjà le respect.